akane utsunomiya 2017ss collection

旅行。といえば”パリ”や”ニューヨーク”などの大都市へ日本人がこぞって飛んでいた時代があった。それは、旅の目的が”買い物”だったからだ。日本で手に入らないものや、日本より安く買えるものを手に入れ、おいしいご飯を食べて…ちょうど今日本に来ている爆買い旅行客のような感じだったと想像できる。

今はどうだろう?もちろん、買い物が旅の目的のひとつであることは確かだけど、”経験”を求めている人もとても増えたと思う。その結果、ヨーロッパやアメリカに加え、アジアやアフリカなどの観光地も人気が出てきている。その土地の文化や歴史を見て感じて、写真に撮ってSNSにアップする。そんな旅行の楽しみ方が定着したのだ。

最近メキメキ成長中のAkaneUtsunomiyaは、アフリカをテーマに2017ssコレクションを展開した。海外へ行って、遺跡の写真を撮る休日もいいけど、さわやかな春夏コレクションを見て来年の春何を着ようかな〜なんて妄想する休日も、ファッションファンには大切な時間!

For a certain generation of Japanese, a “trip abroad” very certainly meant a jaunt to New York, Paris, or some other big-name city. The main goal for a vacation to these glitzy locations was for one thing; shopping. At that time, shopping abroad was undoubtedly cheaper than shopping at home, and tasting the local cuisine was the epitome of jet set modernity. You can certainly relate to the tourists in Tokyo who are going through the same joys of discovery.

But as for the reasons we travel now? Of course for the fashion fans among us we love to shop, but more than that, it’s about experiences. So then the popular locales go beyond the US or Europe, reaching to far flung places like the depths of Asia or Africa. In fact, with the rise of SNS and the thrill that comes with posting such vacay photos online, it becomes a source of pride showing places that are beyond the norm. (PSA: don’t mess up the flora and fauna mmkay?).

For rising star Akane Utsunomiya’s SS 2017 collection, she took inspiration from an African adventure. Although actually traveling abroad is the most ideal option, putting on an outfit and daydreaming about it is a fashion fan’s own idea of a thrill.

akane utsunomiya 2017ss collection

quantize 2017ss

世界では何年か前から、空前の日本食ブームだ。今やそれはただのブームではなく、確実に世界中の人々の日常に溶け込み毎日の食事のルーティンのひとつとなった。日本食レストランが増えるにつれて、人々の注目は味だけではなく、美しいその盛り付けや彩に注がれるようになった。

「japanesefood、art」と検索すると、画像検索結果には繊細なジャパニーズフレンチの盛り付けから、お寿司、巻き寿司アート、和菓子、さらにはキャラ弁まで、大量の画像が出てくる。

ミラノ万博では、日本館の入場に最大10時間も並んだそうだ。もちろん日本のテクノロジーや建築などの展示も魅力的だったが、本場日本食が食べれるというのは、食通のイタリア人にとってかなりキャッチーにうつったのだろうと思う。

デザイナーとオーガナイザーのふたりがチームを組んで手がける、福岡のブランド、Quantizeは2017ssで、料理をテーマにコレクションを制作。NYやオーストラリアでの海外経験で培ったグローバルな目で発信する、ファッション×食べるアートの世界をご紹介。

Even more than fashion (and much to my chagrin), Japanese food has blown up in popularity around the world. And more than just a fad, the wonders of “washoku” have enlivened the daily food routines of people across the globe. And as more and more Japanese washoku restaurants open up, people become privy to the custom of presentation and delicious “heaping” on the plate.

At the Milan World Fair, it was said that people waited for more than 10 hours to get inside the Japan Tent, and while technology and art is certainly a pull, being promised a chance to taste real Japanese cuisine was surely a huge selling point for cuisine aficionados like the Italians are.

Quantize is a Fukuoka-based brand born from the minds of two creative and savvy women, one a designer and the other an events and business organizer. For their 2017 SS collection, they took to the tables to create an intriguing cuisine-inspired collection, with a surprising twist.

quantize 2017ss

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LOCATION: Tokyo Tocho-mae (City Hall)
TIME: 17:30
THEME: The Golden Time ~ゴールデンタイム~

クリスタルにとって、ゴールデンタイムとはいつか?無論、夜だろう。暗くなった空の下、動くたびに街の光を受けきらきらと輝くそれに、人々の目は奪われる。

それこそ”視(聴)率が高い”、クリスタルゴールデンタイムだ。

“Because of the darkness, you see the sparkle”

It was a race to beat the sun before the “super moon” took over at the day’s yawn. Cuteness needs the daylight! …It was a lapse in calculation, an unfair prejudice against the sparkle and pink veneer of the clothes. No, these constellation prints, boudoir vetements and bejeweled baubles deserved something… darker. In a sneaky pinch, we ventured into the urban heart, to embrace the pallid streets and black curtain of night…

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東京ファッションウィーク中、ショー とショーの間を縫って合同展示会をチェックしに行った。

どんなにタイトスケジュールでも必ず行きたいと思うのは、お世話になっているブランド、応援してるブランドに”say hello”しに行くためだけではない。

行けば面白いブランドとの出会いがあるからだ…

今日紹介したいのは、アクセサリブランド9BijouxCloud。身につける、全ての人にとって毎日が〝cloud 9〟(パイロット達の使う言葉で、〝ウキウキ〟〝最高にハッピー〟を表現した言葉) になるように…という思いを込めたブランド名だそうだ。トランクショーではこのブランドの前で、自然と足が止まり、手が商品に伸びていた…。

It goes without saying that with days packed full of fashion shows and writing up reports, Fashion Week is B-U-S-Y. But even so, there are many brands that opt for exhibitions instead of throwing a lavish runway presentation, and many of them are brands that I support and want to keep up with. So then it becomes a mad rush to get to the location, even if the tight schedule means that the actual time I can spend in one is just 5 minutes. Peeping in and giving that “hello!” is just as valuable as all the time in the world.

And going into one brand’s exhibit, often means another will be exhibiting in the same space. And this is how I can come into contact with so many new, interesting brands. And today, I`ll be introducing you to a fun brand I recently got to know, 9BijouxCloud.

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ランジェルック trefle

【お知らせ】!

梅田阪急FNOにランジェルックを生でお披露します!

モデルを起用したファッションショーを交えながら提案する「ランジェルック」の着こなしポイントを紹介するトークイベントを開催。ランジェリー主体のラグジュアリーファッションの拡がりを提案し、ランジェリー売場の認知拡大を図ります。

〇イベント名:『ミーシャ・ジャネット』モードランジェリーファッションイベント
〇開催日時:2016年11月19日(土)14:00~、17:00~の2回予定
〇場所:梅田阪急本店 3階 婦人肌着 『メゾン・ド・ランジェリー』 

ぜひお遊びに来てください!お待ちしてます!

 

今回は特別なスタイルブックを送りします!

レースやサテン、リボンなど、ランジェリーぽい装飾がついている洋服というのは、ファッションシーンでよく見られる。でも、本当のランジェリーを服として見せることに抵抗があるのね。ランジェリー界の大きな動きと言えば、1番近いのは80年代のマドンナブームのとき。コーンブラとコルセットを服の上から付けたルックは、当時世界を驚かせた。

実は、ランジェリーはシンプルな服と合わせるとすごくスタイリッシュに決まる。アメリカでは、多くの女の子たちがパーティーでサテンのスリップをドレスとして着ている。日本では、ビンテージTの上にブラレットを着たりする。

これは課題だなと思うのは、ブラやビスチェ、スリップやローブにお金をかけていても、それらは決して見てもらえないということだ。近年、ランジェリーはどんどん進化してすごくかっこよくなっている。中には、外に着る洋服よりスタイリッシュなものもある。ランジェリーは、コンサバな服やシンプルな服と合わせてエッジを効かせると相性が良い。また、ダークでハードなルックにはフェミニンさやソフトさをプラスすることもできる。自分のクローゼットにあるものは何でも自由に使って、ベストなスタイリングをすることは、私たちひとりひとりが持つ権利だと私は思う。

ということで、ワコールとタッグを組みランジェリールックを組むことに。ワコールの5大ラインのアイテムを使い、私物と合わせてトータルコーデを考えるというチャレンジだ。ワコールは、京都を拠点にする会社で、世界で3番目に大きなインナーウェアカンパニーだ。ハイデザイン、ハイファッションのランジェリーブランドは5ラインにも及ぶ。ワコールディア、スタディオファイブ、トレフル、ハンロ、シモーネペレール。

ここに、”ファッションとしてのランジェリースタイリング術”を10個提案したい。カラフルで元気、上品、デイタイム、オフィス、パーティーなどいろいろなテーマを設けたので、みなさんのライフスタイルにも組み込めるアイデアがきっとあるはず。あなたなら、どんなランジェルックにする?

 

UPDATE: Lingerie-Look Fashion Show at Hankyu Umeda FNO!

Come visit the 3rd floor lingerie section on Saturday the 19th where I’ll be talking about some of the styling points, while floor models show off the goods. There will be two shows, one at 2pm and 4pm. Im looking forward to seeing everyone!

In fashion, it’s not unusual to see clothing with lace, satin, ribbons, and other details that point directly to lingerie. But it’s almost never actual lingerie. In fact, the most recent lingerie revolution happened in the 80s when Madonna broke on the scene with her cone bras and corsets on top of her clothes instead of under.

In fact, lingerie can look really really stylish when worn with normal clothing. In America, many girls will wear their satin slips as dresses to a party. In Japan, girls wear bralettes over vintage T-shirts. But the fact of the matter is that we spend a lot of money on bras and bustiers, slips and robes, and they never get seen. Nowadays, lingerie is just as stylish or even more stylish than what we wear on the outside. Lingerie can be worn with something conservative and comfortable to give it an edge. And conversely, it can make something really dark or hard look more feminine and soft. It’s my opinion that it is within our right of fashion freedom to play around with everything we’ve got in our closet to make an outfit look great.

And so I`ve teamed up with Wacoal to create Lingerie Looks. The challenge: to style pieces from 5 of their most prestigious brands with clothing already in my closet to make total outfits. Wacoal is a Kyoto-based family company that is now the number 3 largest inner wear company in the world. When it comes to their high-design, high-fashion lingerie, there are no less than 5 lines to choose from. Wacoal DIA, Studio 5, Trefle, Hanro and Simone Perle.

And so here, I offer 10 different ideas for styling real lingerie with fashion. Whether it’s colorful and loud or more demure, daytime, office, or party style, there should be a scene that fits your lifestyle.

So let’s see how Japan get’s it Lingerie Looks on.

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今、若い世代は”男女の差”に寛容になっている。渋谷でパートナーシップ制度が認められたり、世界各地でも同性婚が認められたり、ここ何年かで急速にLGBTのまわりの流れが変わっている。スターやファッションアイコンなどもたくさん生まれた。

そんな世界の流れを読んだのか、ちょうどタイミングが合ったのか…
いやたぶん、カルネボレンテは時代の先端を地でいくタイプのクールな集団だ。

極端なもの、思い切ったものが好きなあなたはきっと気にいるはず!

More and more these days, the younger generation is feeling much more open about sexuality-and the many forms of it. This lends itself well to fashion as well, as we have been graced with the uber-cool stylings of pretty “androgyny”, cool “unisex”, kawaii “genderless”, or girls-will-boys “boyish” styles. They all play with gender and fashion, blurring the lines between the two.

But what about plain ol’ sex? It’s still the most taboo of all, and with the designs of brand Carne Bollente bringing it WAY out into the open, it might be the most “clutch-your-pearls” shock-full fashion since Kim Kardashian.

While sexy clothing is often meant to be in-your-face , Carne Bollente is meant to take the edge off by showing sexy scenes in cute embroideries. The faceless humans all seem to be getting it on in funny and seriously compromising situations, like on the beach or even orgies at the office. It’s the best way to wear your sex on your sleeve, but slip it past all but a few.

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イヴサンローランは、ファッションに革命を起こし、歴史を作り上げてきた。服だけにとどまらず、アート作品に至るまで、現在我々が目にしているものの多くに彼の影響を受けたものがある。2017年には、イヴサンローランのライフワークをフューチャーしたミュージアムがパリとモロッコにオープンする。(モロッコは、サンローランと彼のパートナーであるピエールベルジェの別荘があった) それぞれの場所に、異なるオートクチュールコレクションのセットがローテンションで展示される。パリのミュージアムは、1974年からオートクチュールサロンとサンローランのスタジオがあった場所を、ピエールベルジェ-イブサンローラン ファンデーションと改したところに設置される。

今はまだ工事中のその内部に招待いただけたので、サロンにお邪魔して5000にも及ぶオートクチュールのアーカイブの一部を見せていただいたので紹介したい。

魅惑的なピースを目の当たりにする準備はいい?作品そのものの素晴らしさはもちろんだけど、その保存状態や、手仕事ひとつひとつの丁寧さは言葉を失うほど。これぞファッション史に名を残す、尊敬すべき偉大なデザイナーの仕事だと、圧倒された。

Yves Saint Laurent is a name synonymous with the height of decadent fashion, the kind that goes from clothing to a flourishing work of art in front of your eyes. In 2017, two museums dedicated to Yves Saint Laurent’s life work will open in Paris and Morocco (where he and his surviving partner Pierre Berge owned a vacation house), each displaying a different set of ravishing haute couture on rotation.

The Paris museum will be located at the Fondation Pierre Berge-Yves Saint Laurent, where the original haute couture salon and Yves’ own studio had been located since 1974. While the museum is currently under construction, I was invited inside anyway, to get a private sneak peek at just a few pieces of the more than 5,000 haute couture works archived inside the salon. Take the tour with me, and be ready to see not only how dazzling the couture pieces themselves are, but get to understand the depth and dedication, the record-keeping, and scope of what it took (and still does) to become one of the most revered names in fashion in history.

 

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左右非対称のデザインというのは、日本のファッションにおいてとてもポイントになるディテールだ。それは、着物のカシュクールをはじめとし、ギャルソンによるアシンメトリファッション、ファッションだけでなく建築や生け花など多岐にわたって左右非対称の美学が精通しているのが日本文化の特徴でもある。

“無常観”の概念に見られるように、常に同じではないこと、時間とともに移り変わることに敏感な目を持ってきた日本人は、何かをデザインする時に風や波のような動的なものや、四季や天気の移り変わりをアシンメトリーで表現してきた。”時間の経過”に美を生み出してきたとも言える。

2017ssのSHIROMAがテーマに掲げたのは「BREAK」まさに崩れていく様、その動きや瞬間を捉えたコレクションになっている。
それに加えて加茂克也さんの手がけたヘア。退廃的でありながら動きのあるアレンジはさすがで、完璧に服とマッチし、コレクションをより魅力的にしていることは言うまでもない。

In kimono, the point where you cross one side of the robe over to the other is called “kashukuru”, which comes from the French “cache coeur” or “crossover the heart”. It refers to an asymmetrical design where one side is placed on top of the other, even in a cardigan or coat (for extra credit, make sure it’s always the left on top, as the right on top signifies a funeral). This “kashukuru” style of design takes on many forms of art in Japan, not just in fashion, but as well as in traditional architecture, or even ikebana flower arrangement. Basically, the idea is that asymmetry is beautiful.

Shiroma is a Japanese design house that takes asymmetry to another level. Almost all of their designs contain a mix and layering of textiles in an asymmetrical way. It’s all highly calculated and generally subdue in color.

For their 2017 SS collection, they teamed up with Japanese hair artist master Kamo Katsuya to enhance even further the “imperfect balance is beautiful” design ethos to great success.

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